AndalOcio Córdoba



CORDURA: UN FILM QUE CAMBIARÁ LA FORMA DE VER EL CINE CORDOBÉS
de Miguel A. Sánchez

Francisco Manuel Sánchez (Chico)

2.12.08 | 13:24h.

 

Se ha hablado mucho de la posmodernidad. Sesudos teóricos han intentado definir, con mayor o menor fortuna, el marco ideológico, moral y estético en el que se cimienta la sociedad de la globalización. Se habla de la crisis de la vanguardia, de la muerte de las ideologías, de la soledad, del mestizaje … pero después de visionar Cordura, la obra maestra de nuestro paisano Miguel A. Sánchez, se me ocurre otra termino para definir la posmodernidad: frustración.

Me explico. Desde que el hombre descubre [o se inventa] una evolución casi orgánica de la historia y de la historia del arte, allá por el siglo XVIII y XIX [Winkelmann, Marx]. Los artistas se han empeñado en darle velocidad al tren de la historia, hasta que el tren a descarrilado, encontrándonos solos en un páramo, sin más recursos que las maletas de los demás. Las causantes de tal accidente del tren de materialismo dialéctico, han sido las vanguardias históricas que en menos de un siglo han fagocitado todos los discursos, todas las técnicas, todas las visiones, todos los espacios de la realidad.
Para el artista no ha habido nada tan perjudicial como convertir la innovación en el único parámetro para juzgar su trabajo. Esa es la enfermedad de la vanguardia, esa es la enfermedad de la cultura, ya que no hay nada nuevo que inventar. De ahí, la frustración.
 
Los artistas posmodernos, y sobre todo los cineastas posmodernos se han puesto a hacer cine al lado de nuestro accidente ferroviario. Y han dicho: cojamos las maletas, copiemos, mezclemos, intercambiemos. Da gusto ver a Quentin Tarantino confesándose un copiador nato en una rueda de prensa. Pocos artistas han sido tan conscientes de su realidad histórica.
 
Sánchez llega al paroxismo de la auto-consciencia. Directamente nos habla de su frustración como creador. De cómo busca en la piel de su relato y de su discurso nuevas salidas. Intenta abandonar la vía accidentada de la historia, coger el coche de su abuelo, llenarlo de amigos y hacer la guerra por su cuenta. Pero si ven la película [de obligado visionado] sabrán donde acaba ese coche.
 
Utilizando el metalenguaje como marco de todo su discurso, el cineasta nos mira, nos habla, lanza sus redes. En un grito desesperado por encontrar su propia voz, busca con la cámara, con el montaje, con la palabras un camino para expresar toda la creatividad que le rebosa, que le supura … y el mismo descubre que es un trabajo imposible. Continuamente nos dice, en el mismo relato, que todo lo que hace ya esta muy visto, ya esta hecho. Es decir, la auto-consciencia de la frustración como discurso cinematográfico.
 
Si analizamos su película, comprobamos que gran parte de las características que podemos rastrear en el cine posmoderno, se pueden encontrar en el film del cineasta cordobés.
 
La destrucción de la estructura narrativa, que tuvo su máxima expresión en la obra maestra de Tarantino: Pulp Fiction, la encontramos también en Cordura. Las historias se mezclan, se confunden, cohabitan. En una suerte de hipérbaton fílmico, el orden natural del relato [a saber: presentación, nudo, desenlace] desaparece, en pos de un orden nuevo, libre.
 
Otro de los rasgos, que ya hemos comentado, el metalenguaje, que Miguel A. Sánchez lo convierte en la piedra angular de su relato, nos acerca de otro titán del cine posmoderno: el guionista Charlie Kaufman, autor de obras maestras como ¿Cómo ser John Malkovich?, o El Ladron de Orquídeas.
 
En definitiva. El film del autor de Verdad, está destinado en convertirse en una obra de culto, y en ser el punto de inflexión de la forma de hacer cine en nuestra ciudad. La obsesión por cierto barroquismo de algunos cortometrajistas cordobeses, las puestas en escena demasiado anquilosadas, la incapacidad de sacar el máximo partido a un medio tan libre como el digital, son rémoras que hemos arrastrado durante demasiado tiempo. Los cineastas deberían dejan de centrase en copiar a Bergman o Buñuel, y fijarse más en el trabajo de Lars Von Trier, Thomas Vinterberg o, incluso, en los trabajos de Soderbergh o el último Jonathan Demme.
 
Todo esto sería imposible si un elenco de actores en estado de gracia absoluto. Actores que han sabido captar la esencia del estilo del cineasta y han llenado de verdad, ternura y frescura sus interpretaciones. Se acabaron las voces impostadas, y lo movimientos robóticos en pos de encontrar una marca en el suelo. Se nota que el director les ha dado libertad, que los ha acariciado con su cámara.
 
Trabajos extraordinarios como el tándem formado por Enrique Garcés y Carlos de Austria. Con una interpretación de una naturalidad pavorosa, se convierten en la voz y la mirada del director. Colocando la cámara frente a ellos, Sánchez no muestra el contraplano de sus miradas. Miran siempre a off, con las miradas perdidas, anhelando escapar de algo, en busca de un paraíso perdido. Pero no son personajes infectados de un nihilismo exacerbado, buscan soluciones, persiguen un sueño, se interrogan sobre su propia existencia, dudan, en definitiva, son humanos.
 
Magnífico trabajo, también, el de otra pareja que comparte muchos planos, la formada por las actrices Lúa Santos y Mónica Mayén. Actrices de una gran versatilidad, que dotan a sus personajes de una gran energía y dignidad. Sin olvidar la comicidad de Cristina Marabotto o Pilar Nicolás. O la química entre Gema Jiménez y Jose Luis de la Torre.
 
Quizás la interpretación que más me ha llamado la atención ha sido la de Esteban Jiménez, actor desconocido para mí, que realiza una interpretación genial de un personaje apocado y lleno de ternura. Una delicia interpretativa.
 
En definitiva, nos encontramos con una generación de actores que han demostrado su talento, su compromiso y su profesionalidad en esta película. Actores capaces de sacar adelante empresas tan complicadas como ésta. Si son empresarios del audiovisual, visionen la película, encontrarán un filón impagable para sus futuros casting.
 
Por otra parte. Creo que, para que la película tenga alguna oportunidad en el terreno comercial en el difícil mundo del cine, deberían realizar un montaje más dinámico. No cortando escenas, sino dotando de más ritmo interno a alguna de ella. Por otra parte, la calidad del sonido puede y debe mejorarse, si se quiere tener una película competitiva a nivel comercial o de festivales.
 
Podría seguir hablando de Cordura, pero la película habla por si sola. Así que no se la pierdan y descubran a los pedazo de artistas que habitan esta contradictoria ciudad.


tags:  cordura  

3 comentarios

Laura Casiquesi - 12/12/2008 11:00

Me parece muy acertado todo lo que dice, y muy sabias palabras.


watanabe - 25/03/2009 16:23

la verdad es que dan muchas más ganas de verla, pero el crítico no debería olvidar que antes de von trier estuvo godard y el cinema verité, cosa que miguel sánchez sabe y conoce bastante bien. el cine no comenzó en los 90 del siglo XX, sino del XIX, y discrepo en eso de que todo esté inventado. el cine como lenguaje pudo haber avanzado mucho más si no hubiese llegado el sonoro. y sigue avanzando en el videoarte, la infografia, etc..


chico - 30/03/2009 21:09

Gracias por vuestros comentarios , amigos. Quiero puntualizar, hay un motivo para que la mayoría de los directores que reflejo en mi crítica sean actuales: encuadrar el cine de Miguel Angel, en una corriente actual, que algunos teóricos han nombrado como post-modernidad cinematográfica o cine postmoderno. Termino ambiguo que recoge a autores tan dispares como. Verhoeven, Almodóvar, Tarantino, Kaufman, Luhrmann, Von Trier, Jeunet, etc.

No creo que en ningún momento la irrupción del sonido frenara la libertad creadora de los cineastas. Gracias al sonido, hemos llegado a las más altas cotas de creación cinematográfica. Sin duda, sería difícil entender , por poner un ejemplo, el magnifico legado de Alfred Hitchcock, sin sumar el trabajo que realizo, entre otros, el genial Bernard Herrmann.



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